Crítica: A Esperança como Ferramenta de Resistência em ‘Um Sonho de Liberdade’

Lançado em 1994 como fracasso de bilheteria, o drama de Frank Darabont com Tim Robbins e Morgan Freeman acumulou 7 indicações ao Oscar e se tornou o filme mais bem avaliado da história do IMDb.

Em setembro de 1994, Frank Darabont estreou seu primeiro longa-metragem nas salas norte-americanas, mas ninguém prestou muito atenção. Um Sonho de Liberdade terminou o ano como o 51º filme mais lucrativo de 1994, atrás de Riquinho, com Macaulay Culkin, e de títulos que hoje ninguém lembra.

Trinta anos depois, o mesmo filme ocupa o topo da lista de avaliações do IMDb com mais de dois milhões de votos — a maior nota da plataforma entre todos os filmes já lançados. O que aconteceu entre esses dois pontos é uma das trajetórias mais improváveis da história do cinema, e começa a fazer sentido quando se entende o que o filme realmente diz.

Um Sonho de Liberdade é uma adaptação do romance de Rita Hayworth publicado em 1982 por Stephen King na coletânea Quatro Estações. Darabont comprou os direitos de adaptação pela bagatela de apenas US$ 5 mil doláres em 1987.

A história acompanha Andy Dufresne (Tim Robbins), banqueiro condenado por assassinar a esposa e o amante dela, enviado à Penitenciária Estadual de Shawshank, no Maine, onde cumpre duas penas de prisão perpétua. Dentro dos muros, Andy conhece Ellis “Red” Redding (Morgan Freeman), veterano contrabandista do presídio, e os dois constroem uma amizade que dura quase duas décadas. A tese central do filme não é a inocência de Andy — essa é apenas a ignição, mas a pergunta mais antiga do cinema de presídio: o que uma instituição opressiva pode fazer com a mente de um homem que se recusa a se curvar?

Na narrativa, o drama emerge da luta de um homem contra as prisões física e simbólica que se erguem ao seu redor. Darabont estrutura o Presídio Shawshank como um sistema de forças impositivas. De um lado, Andy — calmo, metódico, paciente. Do outro, o Diretor Norton (Bob Gunton), cristão devoto que cita a Bíblia enquanto lava dinheiro público (qualquer semelhança com a realidade atual é mera especulação imaginativa), e o Guarda-Chefe Hadley (Clancy Brown), que espanca os recém-chegados sem piedade. Entre eles, a instituição: muros, rotinas, punições e a corrosão persistente que o isolamento provoca em quem perde a fé e não acredita mais que existe um lado de fora.

O nível referencial ou contexto diegético do filme é claro como a água da chuva. Andy Dufresne é um banqueiro condenado injustamente a cumprir duas penas de prisão perpétua pelo assassinato de sua esposa e o amante dela. Na penitenciária de Shawshank, conhece Ellis “Red” Redding, com quem estabelece uma amizade que dura duas décadas. Andy sofre diversos tipos de abuso até que suas habilidades em contabilidade chamam a atenção do diretor do presídio, Norton, que começa a usá-lo em operações de lavagem de dinheiro em troca de proteção. A fuga — escavada ao longo de 19 anos com um martelinho geológico, centímetro a centímetro, atrás de um pôster de Rita Hayworth — é o clímax narrativo da obra.

O filme vende a esperança como ato de resistência. É Andy quem proclama essa mensagem em uma das cenas mais citadas do roteiro: “Ou você se ocupa de viver ou se ocupa de morrer.”

O diretor Frank Darabont disse que seu estilo de direção é o invisível — priorizando uma narração em padrão clássico-narrativo para que seu próprio estilo não ofusque nem se sobreponha à mensagem de suas obras.

O uso da luz ao longo do filme como motivo persistente de liberdade é empregado com grande eficácia pelo diretor de fotografia Roger Deakins. Nunca desperdiçando o recurso em artifícios visuais baratos. Sombras e espaços confinados simbolizam o desespero do encarceramento, enquanto momentos de esperança são banhados de luz natural, frequentemente com panorâmicas que contrastam com a claustrofobia da prisão.

A entrada de Andy em Shawshank, filmada em travelling aéreo (um movimento em que a câmera flutua ou viaja suspensa no ar) que revela o Ohio State Reformatory em toda sua arquitetura gótica, define o território: a câmera mostra o que Andy vai enfrentar antes que ele mesmo perceba. Deakins era criterioso em compor planos que sempre lembravam o espectador onde exatamente ele estava. Ao filmar diálogos no pátio, ele constantemente ajustava o ângulo para revelar algum detalhe arquitetônico imponente acima dos personagens, mantendo os muros presentes no fundo do quadro.

A cena da música — quando Andy tranca os guardas e transmite pela caixa de som do pátio o “Dueto das Cartas” (“Canzonetta sull’aria”) da ópera As Bodas de Fígaro, de Mozart — é o momento mais sinteticamente perfeito do filme. A música voa pela prisão como um lindo pássaro e congela os presos. “Esta é a beleza da música, ninguém pode tirá-la de você”, diz Andy.

Darabont filma os detentos parados no pátio, olhando para o alto, de onde vem o som, sem nenhuma fonte visual. A câmera sobe lentamente. Os rostos endurecem e amolecem ao mesmo tempo. Por dois minutos e meio, Shawshank para. Não há efeito especial, não há briga, não há diálogo. Só Mozart e homens que esqueceram por um instante de onde estavam. É o argumento visual mais forte do filme: a beleza como contravenção.

O subtexto implícito, porém, é mais incômodo. Brooks Hatlen (James Whitmore), o bibliotecário que passa 50 anos na prisão e é solto em 1954, não consegue existir fora de Shawshank. Ele escreve uma carta de despedida e se enforca no quarto de uma pensão. Brooks e Red sintetizam as sensações de um ex-preso que recupera a liberdade, mas não reconhece mais o mundo lá fora nem sabe como agir nele — daí vem um vazio que os faz preferir a familiaridade que a prisão desperta. Darabont filma os pés de Brooks balançando no ar antes de cortar. É o que Deakins chama de saber o que mostrar e o que não mostrar. A câmera baixa. A cena acaba. O peso fica.

Brooks não é personagem secundário — é o espelho do que Andy poderia ter se tornado. A diferença entre os dois é a capacidade de manter vivo um projeto interior. Andy escava. Brooks aguarda. E o filme deixa claro, sem julgar ninguém, que instituições como essa são projetadas para eliminar a distinção entre os dois.

No nível sintomático ou manifesto, Um Sonho de Liberdade apresenta os Estados Unidos dos anos 1940 e 1950 (a época em que a história se passa) mas com a consciência de 1994. O Diretor Norton usa a Bíblia como instrumento de dominação e a lavagem de dinheiro como mecanismo de poder sobre detentos que não têm como denunciá-lo. Norton é menos um vilão individual que um argumento estrutural: o poder que se reproduz sem precisar se justificar, porque os que poderiam questionar não têm voz.

A produção foi filmada no Ohio State Reformatory, uma prisão gótica centenária em Mansfield, Ohio, que estava programada para demolição após ser declarada desumana e havia ficado inativa por quase quatro anos. Deakins e sua equipe queriam estar em uma prisão de verdade, sentir a brutalidade do ambiente. A escolha da locação não foi apenas logística. Uma prisão real fotografada como prisão real carrega um peso que nenhum cenário poderia imitar. Os muros têm umidade. As celas têm escuridão. Os figurantes do filme incluíam ex-diretores e ex-detentos, além de guardas ativos de instalações próximas. O que poderia ser apenas um detalhe de produção é, na prática, uma decisão de linguagem: o realismo do ambiente absorve o espectador de imediato.

O filme foi indicado a sete Oscars em 1995: Melhor Filme, Melhor Ator para Morgan Freeman, Melhor Roteiro Adaptado para Darabont, Melhor Cinematografia para Roger Deakins, Melhor Edição para Richard Francis-Bruce, Melhor Trilha Original para Thomas Newman e Melhor Mixagem de Som. Não ganhou nenhum, o ano era de Forrest Gump. Mas as indicações foram o ponto de virada.

Darabont sentiu que o momento crucial para o sucesso do filme eram as indicações ao Oscar: “Ninguém havia ouvido falar do filme, e naquele ano na cerimônia, eles o filme sete vezes ao vivo na TV aberta.” A reexibição em fevereiro de 1995, somada à rotação constante no canal TNT a partir de 1997, transformou o fracasso de bilheteria em fenômeno cultural de segunda geração. Mais de 320.000 cópias em VHS foram distribuídas pelos Estados Unidos, e o filme se tornou o aluguel de vídeo mais popular de 1995.

O próprio Deakins disse que Um Sonho de Liberdade é “provavelmente o filme mais consistente que já fiz em termos de visual”. Um filme sobre um homem que mantém a coerência interna sob pressão máxima foi fotografado por um diretor de fotografia que evitou qualquer tipo de exibicionismo visual. Forma e conteúdo caminham na mesma direção.

Quando Andy emerge da tubulação de esgoto depois de rastejar 500 metros, para no meio do rio, levanta os braços e deixa a chuva cair sobre seu rosto, a câmera abre em plano aéreo. Os braços estendidos, enquadrados simetricamente com um ângulo zenital, criam uma metáfora visual poderosa de renascimento e redenção. A cena dura poucos segundos. Deakins disse que queria filmar um close do rosto de Robbins naquele momento mas não teve tempo. De qualquer forma, o plano aberto foi a melhor opção. Afinal, Andy não é um indivíduo festejando, é um princípio provando algo.

Em última análise, Um Sonho de Liberdade não é um filme sobre a inocência de um condenado, mas sobre perseverança e a força indestrutível do espírito humano. A penitenciária de Shawshank não representa apenas uma prisão, mas qualquer estrutura que arranca dos indivíduos a capacidade de imaginar outra realidade.

Darabont reconhece que o filme continua encontrando novas gerações de espectadores porque as gerações mais velhas querem compartilhá-lo com as mais jovens. Um sinal de que o filme ainda não envelheceu, pelo menos até hoje.

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Onde assistir: Um Sonho de Liberdade está disponível na HBO Max e também para aluguel e compra digital no Amazon Prime Video e na Apple TV. Consulte a disponibilidade atual em cada plataforma.

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